El Circulo del Amor se Rompre - Alabama Monroe

La historia de un amor puro y un dolor incontenible se refleja en El círculo del amor se rompe (Alabama Monroe título original), es una película difícil de ver, de aguantar, llena de lágrimas y sangre; un film de tristezas embriagantes y una desesperanza que contrasta con su increíble banda sonora.

Elise y Didier son dos jóvenes que se conocen en un pueblo belga, a él le gusta el bluegrass y el country, le atrae América, su música y su cultura, y ve a los Estados Unidos como el país de las oportunidades. En tanto, a ella le apasionan los tatuajes y arte: son la pareja perfecta en donde se compaginan el amor y la forma tranquila de vivir y ver la vida, les basta un encuentro y una sencilla invitación para que nazca entre ellos una de las historias de amor más bellas que jamás se han visto en cine; una historia tan hermosa, como envidiable.

El fruto del amor de Elise y Didier es Maybelle, la pequeña vaquera que llega a cambiar la vida de sus padres, tanto para bien como para mal, De la misma forma que Maybelle crece de entre el campo y las canciones hermosas, dentro de ella crece una enfermedad que no permite que la felicidad continue, al enfermar Maybelle inician los problemas que pondrán a prueba el amor de una familia, llevándonos a una historia tan dramática como incontenible y de una oscuridad profunda y abismal.

Alabama Monroe es una historia hermosa, pero dolorosa, una prueba de amor en la desesperación, un salto al vacío, es la muerte enamorada. Nunca vi una película que pudiera abarcar de forma tan sincera el rechazo por lo que no podemos controlar y la muerte de los ideales  y los sentimientos por culpa de las circunstancias, llegando al punto de reprochar lo que ocurre al dios que creemos omnipotente.

Ver Alabama Monroe es lo mejor que se puede hacer para sentir que se esta vivo, su color, su estructura, su forma de jugar con los sentimientos la hace un filme fascinante, pero no es una película para divertirse, de Alabama Monroe nadie va poder salir nunca, es una historia pesada e inolvidable.

Quienes vimos Serching for Sugar Man en Colombia sentimos que fue película más conmovedora del 2013, asi pues Alabama Monroe será la historia más dramática y drástica jamás contada en el 2014.

 FICHA TÉCNICA

Título original: The Broken Circle Breakdown (Alabama Monroe)

Año: 2012

País: Bélgica

Director: Felix Van Groeningen

Guión: Carl Joos, Felix Van Groeningen

Música: Bjorn Eriksson

Fotografía: Ruben Impens

Reparto: Veerle Baetens, Johan Heldenbergh, Nell Cattrysse, Geert Van Rampelberg, Nils De Caster, Robbie Cleiren, Bert Huysentruyt, Jan Bijvoet, Blanka Heirman

El cine

Ayer no termina nunca - La conversación de la perdida

¿De qué pueden hablar un hombre y una mujer que no se ven desde hace 5 años y tienen en común un pasado doloroso y lleno de amor? La solución a esta pregunta es Ayer no termina nunca, una película de Isabel Coixet que con un guión y unos diálogos totalmente humanos  nos lleva a ver la vida y los sentimientoss de una pareja que se separó desde hace cinco años en las peores circunstancias, y vuelven a reencontrarse llenos de heridas que aparentemente parecían curadas.

Rodada en el año 2013, pero situada en el 2007 en una España que no puede levantarse de la crisis y en donde Messi gana millones de euros mientras los millones de parados (desempleados) por la crisis española aguantan hambre y frio, seda el encuentro de dos ex esposos que se encuentran para arreglar un asunto personal en la ciudad de Barcelona.

Cada uno de ellos desde su separación tiene una vida diferente, a él se le ve muy aplomado, bien vestido con apariencia de que la vida aparentemente lo ha tratado bien en el exterior, él es quien huye del país por que no aguanta vivir en la pobreza y la tristeza de su relación; ella en cambio es más idealista decidiendo quedarse y vivir las consecuencias de la crisis y de todo lo que ha sucedido desde su separación y fallecimiento de Dani, el hijo de los dos que pierde la vida por negligencia médica, en la sala de urgencias de un hospital.

Ayer no termina nunca nos lleva a explorar desde un montaje totalmente teatral pero rodado en 35 mm, el dolor de la pérdida de un hijo y dos posiciones distintas a la hora de enfrentar la vida,  una pelicula humana, que expone secretos impresionantes y conmovedores.

Sin embargo la película es lenta, aunque no aburrida, solo hay dos actores Javier cámara y Candela Peña, ellos están desnudos en su actuación, ellos mantienen la tensión del film por medio de actuaciones brillantes, de palabras, y la personificación de sentimientos creando una película de gran contenido, llena de actuación pura y sobre todo sin efectos ni maquillajes.
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Título original: Ayer no termina nunca

Año: 2013

Duración: 95 min.

País:  España

Director: Isabel Coixet

Guión: Isabel Coixet

Música: Alfonso de Vilallonga

Fotografía: Jordi Azategui

Reparto: Javier Cámara, Candela Peña

Productora: A Contracorriente Films / Miss Wasabi Films

Género: Drama.

El cine

La corrispondenza de Giuseppe Tornatore (2016)

Por: Jose Hernández

Hay dos amantes en una habitación de hotel, todo lo que dicen y hacen nos demuestra que están cargados de amor. Un profundo amor que los une. Luego, antes de la despedida Ed Phoerum (Jeremy Irons) pregunta a Amy (Olga Kurylenko): ¿Hay secretos entre nosotros?



Así inicia La corrispondenza, el último largometraje de Giuseppe Tornatore, una película esperada, linda, con diálogos hermosos, pero sin mucha fuerza, una idea que podríamos llamar reciclada. Claro, Tornatore tiene su propio lenguaje y su propia estética, su planos tienen una gran belleza y la historia transcurre por magníficos escenarios; sin embargo la película no llega a ser cautivadora, eso sí es tremendamente dulce y llena de sentimiento.

  

El aclamado director italiano llega esta vez a las salas con un drama romántico de principio a fin, una historia en parte difícil, porque habla de perpetuar el sentimiento, sin que lo necesario para que este sobreviva realmente exista, puede parecer confuso si se lee pero al ver la película se van a dar cuenta de lo que trato de explicar.

Resulta curioso el personaje de Amy, una mujer que es doble de acción para poder sobre llevar la culpa que le dejo un evento desafortunado en su adolescencia y a su vez es estudiante de astrofísica y novia o compañera de uno de sus profesores. Un poco no se salido de contexto, no sé, quizás solo yo lo veo así. Por otro lado Ed es un personaje mucho más cauto y centrado, un hombre maduro que vive en función del amor que siente por Amy y este mismo sentimiento lo impulsa a hacer todo lo necesario para permanecer junto a ella.

Ahora, se deben destacar los diálogos entre sus personajes, ambos involucrados con la Astrofísica, hablan de forma distendida, romántica y divertida. Tornatore une el lenguaje del amor con el lenguaje técnico y crea un juego que ha de ser el hilo conductor de la película.

Tenemos pues una película dirigida por un hombre de culto que siempre vale la pena ver, una película que por ser de Tornatore carga a los asistentes de un expectación que puede llegar a no ser satisfecha.

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Esta semana también se estrenó Floride de Philippe Le Guay, una drama con tintes de comedia muy bien logrado que cuenta la historia de Claude, un hombre de la tercera edad que enfrenta él, su hija y quienes le rodean su demencia senil. Jean Rochefort quien interpreta al protagonista de esta historia hace un papel maravilloso. 

El cine

Mon Roi - La tiranía de un rey

Por. José Hernández M.

El amor es un tema inagotable y el cine ha retratado gran parte de las situaciones y la vida de los amantes. Nadie puede negarse a ver o experimentar el amor ya sea en su vida cotidiana o por medio de expresiones artísticas. Una película, un libro, una canción, todo puede hablar de amor o desamor al mismo tiempo y poco importa si lo que vemos, vivimos o sufrimos es decepciónate, empalagoso, caprichoso o molesto. Las mil mascaras del querer nunca nos son ajenas. 

Sin embargo algo de nosotros rechaza historias como la de Mon Roi de la francesa Maïwenn Le Besco, quien va mucho más allá de lo que creemos saber de situaciones apasionantes y a la vez destructivas. Mon Roi es la pérdida de identidad y una recreación fiel de la tiranía y la maldad que solo quien consideramos roi (rey) sobre nosotros puede llegar a ejercer hasta agotar todo lo que fuimos.

Tony sufre un accidente esquiando y en el transcurso de su recuperación logra hacer un espacio para ver en retrospectiva lo que ha sido su vida y relación con Georgio, el hombre guapo pero embaucador, burdo, violento y manipulador que la gobierna. Su historia no es diferente al inicio de muchas otras, se trata de un amor casi perfecto: buen sexo, muchas palabras y actos de amor insólitos y poéticos que los unen cada vez más, pero todo  esto da un giro en el momento en que Georgio pide a Tony algo que ha de cambiar y unir sus vidas para siempre.  

Cuando la película llega a este punto, Maïwenn describe con gran sensibilidad el proceso de desintegración de una relación en toda su magnitud. Nos muestra como los amantes dejan de serlo para convertirse en personas incompatibles que se acompañan sin tener claridad real de sus sentimientos y niegan el daño que se hacen unos a otros. Representan las pasiones que los unieron como emociones lejanas, gastadas y tristes que más parecen un animal que se pudre y contamina antes de decidirse a morir.

Algo admirable de Mon Roi es la confrontación con lo real. Maïwenn hace que su protagonista sufra profundamente y por medio de una actuación de altísima calidad nos enfrenta a lo que creemos de nosotros mismos en situaciones tan complejas. La directora nos invita a medir y juzgar nuestra capacidad de poner punto final a situaciones que generalmente conseguimos dar por finalizadas pagando un alto precio. 

Continuamente los  personajes se irán  transformando. Georgio, interpretado por Vincent Cassel ofrece una actuación increíble y aterradora, como espectadores podemos ver el ritmo pausado de su metamorfosis, la violencia concentrada y el egoísmo con el que arrastra a Tony a estados lamentables en donde se pierde todo valor. Georgio se autoproclama rey para herir y descargar toda su ira sobre la mujer que lo ama.

Así, Mon Roi es la terrible exposición de lo que es un mal amor o un amor mal vivido que perpetua el sinsentido y la obstinación de lo que se desea sobre lo que realmente conviene, un ejemplo de quietud y miedo a perder lo que no se tiene, Mon Roi es una película sobre el autoengaño y una estúpida esperanza. 

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Ficha:  

Título original: Mon roi / Año: 2015 / Duración: 130 min. / País: Francia Francia / Director: Maïwenn Le Besco/ Guion: Etienne Comar, Maïwenn Le Besco / Fotografía: Claire Mathon / Reparto: Vincent Cassel, Emmanuelle Bercot, Louis Garrel, Isild Le Besco, Chrystèle Saint Louis Augustin, Patrick Raynal / Género: Drama - Romance.

Premios:

2015: Festival de Cannes: Mejor actriz (Emmanuelle Bercot)

2015: Premios César: 8 nominaciones, inc. Mejor película, director y actor

El cine

Todo Comenzó Por el Fin - Sexo, Drogas y Cine.

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¿Usted sabe quién era Andrés Caicedo?

¿Usted sabe quién era Carlos Mayolo?

¿Usted sabe quién es Luis Ospina?

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En palabras de Luis Ospina los documentalistas filman lo que está en tránsito de desaparecer. De ser así Todo comenzó por el fin es porfinelfin del grupo de Cali y encuentra su desaparición en manos de uno de sus protagonistas.  Sin embargo, la última película de Ospina es su obra cumbre, magna. Un testamento cargado de recuerdos y de lugares transformados o desaparecidos que solo sobreviven en la remembranza de quienes los habitaron y hoy se nos muestran a través del ojo de uno de sus supervivientes.

En Todo comenzó por el fin no se filmó lo que va a desaparecer, se filmó lo desaparecido y lo poco que queda para que la magia sobrenatural del cine lo renueve y haga justicia al pasado de sus protagonistas.

El largometraje inicia como una narración en primera persona que muestra a un Luis Ospina padeciendo un cáncer que por poco lo lleva la muerte. Su voz es la de un moribundo impulsado por la determinación del documentalista serio que es y que reconoce que si Todo comenzó por el fin ha de ser su último filme, debe ser dirigido por él mismo hasta donde el cuerpo aguante. Afortunadamente no ocurrió nada lamentable con la salud del realizador y él mismo recoge los frutos y los reconocimientos de una película en la que viene trabajando, en sus propias palabras, desde los 3 años.

Esta es la historia de un grupo de amigos que se encontraron en los años 70 y trasegaron por la vida, la rumba, las drogas y el cine durante su juventud. Conformado por Andrés Caicedo, Carlos Mayolo y el mismo Ospina, el grupo de Cali o Caliwood da un vuelco al lenguaje cinematográfico del país y crea nuevas narrativas y conceptos como la pornomiseria. Un ejemplo de esto es el falso documental Agarrando Pueblo (1978) codirigida por Carlos Mayolo y Luis Ospina que gira en torno a demostrar como el cine colombiano de la época estaba presentando la pobreza como espectáculo.

Todo comenzó por el fin deja entrever momentos, historias y recuerdos fascinantes de la vida de sus protagonistas apoyado en un material fílmico fascinante además de recoger testimonios de quienes también hicieron parte de esta historia. Charlas, anécdotas  y entrevistas cargadas de admiración, de romanticismo y melancolía,  nos muestran la verdadera historia y personalidades de quienes hoy se recuerdan cargados de una imagen idílica y de estrella pop, como es el caso de Andrés Caicedo, algo que Ospina por amor a la memoria busca corregir en los 208 min que dura el largometraje.

La película es un  manifiesto de amistad, un retrato íntimo de la vida de su realizador sobre una Cali que ya no existe y un Pance en el que ahora corren aguas diferentes. Es el cuento de un lugar lejano donde un cineclub se convirtió en una iglesia cristiana, una casa es demolida y los vicios ahora son lejanos. Es el un punto de convergencia donde los actuales amantes del cine y la literatura Caicediana encuentran, por fin, una verdad sobre lo sucedido y traen a un contexto real un grupo de amigos que dejaron huella en la cultura nacional y nos instruyeron bajo la premisa de que si algo deja verdaderas enseñanzas es el mal ejemplo.

Redacción El Cine

El cine

TRUMAN

Llego a Colombia Truman, una película de Cecs Gay que tiene como Protagonistas a dos de los mejores actores de la época: al argentino Ricardo Darín y a español  Javier Cámara.

Todos conocemos el trabajo de estos dos, a Darín lo recordamos por El secreto de sus ojos, una historia negra que para muchos es la mejor película argentina de la historia. A Javier Cámara lo empezamos a notar desde su actuación con Gael García en La Mala Educación de Pedro Almodóvar; si no lo recuerdan o no viene a sus cabezas la imagen de Cámara en el largo del Manchego es porque quizás lo están viendo como un hombre, pero en realidad hace el papel de Paca el travesti que acompaña a Gael García al inicio de la película. Cámara además es ganador del Goya al Mejor actor por Vivir es fácil con los ojos cerrados de Trueba, otra película española imperdible.

Así pues tenemos a dos actores puros en un mismo largometraje, Cesc Gay dio a los amantes del cine la oportunidad de ver dos actuales genios de la actuación en una misma historia, un trabajo duro para Cámara actuar junto a una figura como Darín, sin embargo esta película les valió el galardón de mejor actor en la última edición del festival de San Sebastián.

Truman no podría ser una historia más humana, conmovedora y agridulce, es la representación de la perdida y la despedida.

Julián es un actor argentino que vive en Madrid junto con Truman un perro que le ha acompañado durante años y más que una mascota es un hijo. Tomas por su parte es un hombre de ciencia que vive en Canadá y decide viajar a España para hacerle frente a la mala situación, a las decisiones y al ocaso de los días de mejor amigo.

Durante cuatro días estarán, Julián, Tomas y Truman viviendo entre la nostalgia, la tristeza y los recuerdos que los unen, sacando fuerzas para aceptar el destino y los malos momentos que vienen con la vida y que en Truman se hacen tan reales como si nos sucedieran a cualquiera de nosotros.

Los pensamientos, el valor de lo cotidiano, la riqueza de la palabra, el reconocimiento de quienes nos han acompañan y el amor está condesado en un guión simple y dolorosamente delicioso. Una película sin pretensiones de ningún tipo que nos carga de dolor sin borrarnos una sonrisa y en medio de todo ello nos demuestra que el bien último es la entrega de lo más preciado, la preocupación por ese ser o seres que queremos dejar en buenas manos en el momento que nos sobrevivan.

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Título original: Truman
Año: 2015
País: España
Director: Cesc Gay
Guión: Cesc Gay, Tomás Aragay
Música: Nico Cota, Toti Soler
Fotografía:Andreu Rebés
Reparto: Ricardo Darín, Javier Cámara, Dolores Fonzi, Àlex Brendemühl, Javier Gutiérrez, Eduard Fernández, Elvira Mínguez, Silvia Abascal, Nathalie Poza, José Luis Gómez, Pedro Casablanc, Francesc Orella, Oriol Pla, Ana Gracia, Susi Sánchez, Àgata Roca

El cine

The Fool - Yuri Bykov (2014) Por Ángela García

“Se han acostumbrado. Al principio derramaron unas lagrimitas, pero después se acostumbraron. ¡Miseria humana! A todo se acostumbra uno.” 

Fiódor Dostoyevski  

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En una  entrevista al escritor Colombiano Oscar Collazos se le preguntaba cuál era el libro que no regalaría, y  él fue contundente en su respuesta dando  a crimen y castigo de   Fiódor Dostoyevski  cómo una carga que no se puede imponer a los demás o en este caso dar como un presente, ya es otro el cuento sí uno quiere leerlo  por decisión propia.

Pasa en películas también que tienen una carga dramática fuerte para el espectador  y no es fácil verlas cuando estas pasan el  lado intimo de quien las observa, y es el caso del filme ruso  “The Fool” dirigido por Yury Bykov , un espejo a la sociedad actual visto desde la burocracia y el pueblo, las dos partes sostenidas bajo el concepto de salvajismo que Bykow  representa muy bien a lo largo de la película.

La primer escena de  “ The Fool”  muestra a un hombre atacando brutalmente a su mujer  en una representación de la sociedad machista y marginal que se ha visto por siglos, esto contextualizara el recorrido del filme dejando ver las consecuencias de una ausencia de educación en una sociedad sumida en la pobreza y desigualdad.

The fool es una clara mirada  sí se quiere, a la obra de Dostoyevski presentando una transformación  de los valores que el escritor planteaba en su obra,  el director nos deja  unas crudas escenas donde impera el desinterés y el irrespeto por el otro, donde el  “buen ser humano” resulta ser el idiota y  el avivato es visto como una persona sobresaliente que se deja de estupideces para sobrevivir.

La trama de la película gira en torno a un edificio en ruinas que en cualquier momento puede caer y acabar con la vida de los residentes que viven en condiciones paupérrimas, hacinados, envueltos en la desilusión que produce la pobreza y las consecuencias que esta genera, desde la violencia entre familias, drogas, desempleo, falta de educación, una cadena de factores que reflejan la desesperanza  que “The fool” pone en frente al espectador. Visualmente es interesante como el director recurre  a la analogía de las grietas del edificio, con las grietas que hay en el gobierno, en este caso el de un pequeño pueblo en Rusia que es visto por los altos gobernantes como un pedazo de basura y bichos ignorantes.

Un edificio construido con apuros y gastando lo mínimo posible, esto como respuesta a la ambición de quienes gobiernan para gastar el presupuesto comprando un nuevo auto y cubriendo cuellos de oro, sin importar a quien se le caigan las paredes o cuantos techos tienen goteras.  Los diálogos permiten ver y  conocer como se manejan los recursos de un pueblo, o mejor, como los corruptos roban ese dinero y pasan por gente decente firmando papeles en una oficina.

A través de los diálogos cargados de confesiones burocráticas “The fool” hace una crítica fuerte al gobierno y al desarrollo de una mala administración que no tiene interés en su pueblo y deja consecuencias irreparables. “Aquí vives como persona o vives como ganado.. No hay tanto de la buena vida para todos”  “No son seres humanos, son basura, son marginales” estas son algunas de las frases que de forma irónica pronuncia el grupo de gobernantes justificando lo sucedido.

La película no se queda corta en dar una mirada solo a la burocracia,  va más allá y fija a la  persona del común que no solo está en ese pueblo pequeño de Rusia, si no también a la humanidad en general y en la desidia que existe entre todos, un nido de víboras que se comen los unos a los otros. “The fool” en dos noches nos da una mirada hacia lo  grotesco que puede ser vivir en una sociedad indolente que ha perdido la honestidad y el respeto, donde la indolencia por el otro es percibida como una idiotez.

The fool resulta una película cruda y desesperanzadora de la sociedad con la indiferencia y desigualdad como constantes.  

El cine

Siempreviva de Klych López (2015)

Hay en las salas de cine nacional, una nueva película, más no otra película sobre la toma del palacio de justicia llamada Siempreviva opera prima del caleño Klych López y adaptación de la obra del mismo nombre de Miguel Torres.

Una película con un lenguaje propio muy elaborado que, cabe decirlo, sorprende en su realización en cuanto a cine colombiano se refiere y es un ejemplo de una obra bien pensada que demuestra que se puede hacer cine con bajo presupuesto si el manejo de la historia es lo bastante sólido y estructurado.

Siempreviva cuenta el drama en torno de la desaparición de Julieta, una abogada recién graduada que desaparece en la toma del palacio de justicia entre el 6 y 7 de noviembre de 1985 por el grupo guerrillero M-19. Hecho histórico y lamentable que cobró la vida de servidores públicos, magistrados y trabajadores que fueron asesinados en el momento de la toma o desaparecidos posteriormente, como les ocurrió a los empleados de la cafetería, en donde se encontraba Julieta debido a un trabajo temporal,  que salieron con vida hacia la casa del florero pero nunca se supo de su paradero.

Así los integrantes de la pensión se ven unidos por un el trágico hecho y a su vez se enfrentan al suyo propio pues cada personaje tiene una difícil situación personal que afrontar de la que López saca provecho dando a cada uno de los protagonistas de la historia el suficiente espacio para llegar al espectador y en conjunto darle a la película un equilibrio carente de centro que enriquece la historia y el interés de los asistentes a la sala por las múltiples situaciones que se desarrollan el filme.

Un payaso pobre y triste y su esposa abnegada, un hombre tramposo y solo y la familia de Julieta (Mamá que sufre por la desaparición de su hija y hermano con miedo a enfrentar el mundo) son los protagonistas de esta historia técnicamente bien realizada, con un plano continuo y un trabajo de edición, que brinda la impresión de haber sido rodada en una sola toma y que resulta ser una sorpresa conmovedora en donde el director ha puesto en cada uno de los integrantes de esta pequeña comunidad un sello que los distingue, que conmueve y acerca al espectador a situaciones humanas que nunca está de más volver a vivir, volver a recordar y volver a ver.

Laura García: Lucía, Enrique Carriazo: Carlos, Andrés Parra: Sergio, Laura Ramos: Victoria, Alejandro Aguilar: Humberto, Andrea Gómez: Julieta, Fernando Arévalo: Doctor Espitia // Una película dirigida por Klych López // Guión: Manuel Arias, Clara María Ochoa y Klych López // Dirección de Fotografía: Diego Jiménez // Director de Arte: Juan Carlos Acevedo // Música: César López // Sonido Directo: César Salazar //Postproducción Imagen: Leo Otero // Diseño de Sonido: Carlos García Basado en la obra "La Siempreviva" de Miguel Torres

El cine

Felices 140 | Reseña por Jose Hernández

Siempre hay situaciones límite y de ellas se nutren las películas; es en la pantalla grande donde estas se ven reflejadas. El cine, la literatura, el arte en general y en su mayor medida es un espejo de la realidad, toca las posibles situaciones de la vida y nos las muestra concentradas, encapsuladas en una obra llámese libro, obra de teatro, largo, corto o mediometraje. El cine bien visto siempre es humano, nos reconoce y nos sitúa en otros lugares y posibilidades.

Felices 140 la última película de la española Gracia Querejeta, también directora de 15 años y un dia, nos deja entrever comportamientos terribles del ser humano. Es en pocas palabras una alta dosis de realidad y mezquindad en medio de una ficción anhelada por muchos.

La historia es inverosímil. Elia (Maribel Verdú) es una médico veterinario que va a cumplir 40 años y quiere celebrarlos con las personas que más quiere y la quieren. Así que alquila una casa de ensueño para hospedar a sus invitados y de paso comunicarles la magnífica noticia de ser una nueva millonaria: jugar a la lotería la hecho ganadora de 140 millones de euros.

La noticia, evidentemente, es motivo de alegría y celebración, sin embargo, cuando los sentimientos se apaciguan y cada uno de los personajes de la historia enfrenta la suerte de Elia con la suya propia empiezan a salir a flote cuentas morales que saldar, deudas, negocios y demás situaciones que los impulsan a reclamar y querer disponer de una parte del premio. Así los de toda la vida, todos menos uno, quedan reducidos a un grupo de personas soberbias y aventajadas que buscan el método y la excusa para quedarse con parte de su dinero.

Pero aquí no acaba todo, Elia también tiene algo que solucionar. Entre las personas que asisten a su celebración de cumpleaños está el que podríamos decir ha sido el amor de su vida. Una herida abierta cargada de reproches, sueños incumplidos y situaciones desesperadas que ella se niega a dejar ir, una obsesión que será llevada demasiado lejos y dará paso al desenlace de la historia.

Felices 140 no es una historia feliz. Premiada como mejor guión en el Festival de Cine Español de Toulouse y con un buen reparto, es la clase de película bien pensada que nos enfrenta a la terrible codicia y la falta de cordura y ética de los seres humanos. Una película amarga y tal vez no muy impresionante, pero con un trasfondo serio y bien manejado que vale la pena ver.

País: España / Director: Gracia Querejeta / Guión: Santos Mercero, Gracia Querejeta / Música: Federico Jusid / Fotografía: Juan Carlos Gómez / Reparto: Maribel Verdú, Antonio De La Torre, Eduard Fernández, Marian Álvarez, Nora Navas, Alex O´Dogherty, Ginés García Millán, Paula Cancio, Marcos Ruiz

El cine